A lo largo de los siglos, el arte sigue a la cultura y el pensamiento humanos. Así se forman corrientes artísticas que evolucionan con la humanidad, creando nuevas tendencias artísticas. Veamos a continuación la evolución del arte desde la prehistoria hasta finales del siglo XIX.
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Prehistoria e historia (40000 a.c. – 500 a.c.)
Las primeras expresiones del arte se remontan a la aparición del hombre. Los dibujos encontrados en las cuevas tienen como tema el mundo animal, las escenas de caza y las figuras femeninas vinculadas a la fertilidad; más tarde evolucionaron hacia escenas cortesanas y divinidades, y con pinturas murales en las tumbas (por ejemplo, en Egipto).
Antigüedad (900 a.c. – 300 d.c.)
Cerámica con decoraciones geométricas en Grecia, tumbas etruscas con pinturas murales, pinturas murales en Roma, etc. La mitología, los rituales cotidianos y los acontecimientos políticos eran los temas principales; además, el arte funerario se desarrolló considerablemente.
La antigüedad tardía y la edad media (300 – 1450)
Los mosaicos eran el género pictórico más perfeccionado en Oriente, mientras que en Occidente, junto a las pinturas murales, tenían gran importancia los manuscritos y las miniaturas con decoración en pan de oro. Esto fue así hasta la llegada de la pintura sobre tabla alrededor del año 1200.
En los mosaicos del periodo del arte paleocristiano (330-850): combinación de temas cristianos y elementos decorativos clásicos.
En el arte románico (1050-1150)
Estilización y simplificación en los manuscritos, pinturas murales en las iglesias, con ciclos narrativos con función didáctica para los fieles (que en su mayoría no sabían leer) y vidrios policromados.
Arte gótico (1150-1450)
Vidrieras policromadas en las catedrales góticas francesas y estilo cortesano en los manuscritos iluminados; en el último siglo se extendió por toda Europa y se hizo más refinado (con temas religiosos más cercanos al observador), gracias a la influencia artística de la pintura italiana del siglo XIV, que, a través de Giotto, abandonó la linealidad de la época por un estilo más fluido (ésta sería la premisa del periodo renacentista).
Renacimiento y manierismo (1420 – 1610)
En el Renacimiento
Se produjo una profunda revisión de las concepciones religiosas, situando el foco del arte ya no en Dios, que antes estaba presente en todas partes, sino en el hombre, con el objetivo de acercarse a la naturaleza y el deseo de captar la belleza de la figura humana (mediante el estudio de modelos vivos).
Leonardo, Miguel Ángel y Rafael fueron los abanderados del Alto Renacimiento, creadores de obras maestras de extraordinaria belleza, poder y equilibrio.
El fresco de la Capilla Sixtina de Roma, la Creación de Adán, (de Miguel Ángel) se ha convertido en el símbolo mismo del Renacimiento.
Leonardo aportó profundas innovaciones al arte: el encanto único de la Gioconda y de otras obras suyas se debe sobre todo al estilo «sfumato»: un fino y casi imperceptible velo extendido sobre el rostro, el paisaje que escapa a la puntillosa rigidez exigida a los retratos en su época, las sombras que se funden unas con otras.
El manierismo
Las obras manieristas se caracterizan por sus formas alargadas, sus figuras modeladas de forma muy plástica; los colores utilizados son también a menudo inusuales y se yuxtaponen de forma alienante (por ejemplo, Tintoretto y Bronzino).
Barroco (1600 – 1740)
Floreció en Roma a principios del siglo XVII y se extendió por toda Europa. Después de la artificialidad del manierismo, los artistas apuntan a nuevas posibilidades de expresión.
Entre los exponentes autorizados de este periodo fueron: hermanos Carracci, Caravaggio, Guercino en Italia, Zurbarán, Velázquez y Murillo en España, Vouet en Francia, y luego los artistas flamencos Claesz, Davidsz de Heem, Willem Kalf, Vermeer, Rembrandt, J. Brueghel el Viejo, Rubens y Van Dyck.
Siglo VII
El rococó y el neoclasicismo
Reflejan, en términos estéticos, los cambios sociopolíticos que tuvieron lugar en este siglo. El rococó fue una reacción a la grandiosidad del barroco, y surgió principalmente de la demanda del mundo aristocrático francés de un arte más agradable y ligero. La Revolución Francesa fue el punto de inflexión que condujo al Neoclasicismo. Se reclamaba un nuevo estilo artístico que acabara definitivamente con el gracejo y la frivolidad del rococó. Dos artistas, entre otros muchos, a recordar son Ingres y Francisco de Goya.
Siglo VIII
Este siglo vio el origen y el desarrollo de numerosos movimientos estilísticos.
El Romanticismo
Nació en Alemania y se extendió por toda Europa, situando el sentimiento y el amor a la patria en la cúspide de los valores humanos, reaccionando a la racionalidad y objetividad idealizadas del Neoclasicismo, y considerando la emoción preeminente sobre la razón.
La pintura romántica parece libre y comunicativa: el artista quiere expresar sentimientos y emociones («el arte por el arte»), por lo que sus pinceladas son fluidas, los colores son vivos, los contornos menos definidos y el contraste con la luz es a menudo dramático. Algunos de los muchos exponentes del Romanticismo son: Delacroux, Constable, Goya, Hayez, etc.
Naturalismo
Obras de temas «bajos», humildes, con una fuerte crítica social (por ejemplo, Constable. Edouard Manet fue una figura revolucionaria, que tendió un puente entre el realismo y el impresionismo, con su pincelada libre y visible, sus colores saturados, la reducción de la perspectiva y el enfoque en los momentos fugaces de la vida moderna.
Impresionismo
Rechazados por el mundo académico, los impresionistas, Pissarro, Degas, Renoir, Monet, etc., tomaron instantáneas de la vida moderna y llevaron los efectos de la luz a sus lienzos, con pinceladas duras y densas (creando una superficie táctil en el lienzo), interesados en los efectos de la luz natural más que en el dibujo exacto y la descripción de los detalles.
El puntillismo o divisionismo
Fue el fruto del impresionismo y creó obras hechas a base de puntos multicolores que cuando se ven en su conjunto crean formas y figuras: deben observarse desde la distancia para que los puntos de color se fundan en una imagen coherente.
Post Impresionismo
Aunque los postimpresionistas, como Cézanne, Gauguin y Van Gogh, se basaron en la investigación técnica y cromática de los impresionistas, ya no sentían la necesidad de reflejar la consistencia de los objetos y la naturaleza a través de los efectos de color y luz, sino que buscaban dar contenido a una visión del mundo cada vez más subjetiva.
Art Nouveau
(Klimt, Mucha, Schiele, etc.), movimiento estilístico europeo complejo e innovador, estrechamente relacionado con el Simbolismo, que se extendió entre 1880 y 1920, principalmente como estilo decorativo.
Penetró en las artes aplicadas y en las ilustraciones de revistas, alcanzando su cenit en los cuadros de Gustave Klimt. En España, el Art Nouveau adoptó el nombre y las características extremas del modernismo, y tuvo su artista más original en Antoni Gaudí.
Siglo xix (hasta 1950)
En la primera mitad del siglo, se identificaron los temas «abstracto» y «figurativo», entre diferentes lenguajes políticos de la «derecha» primero y de la «izquierda» después.
Primitivismo y fauvismo (1898-1908) o primer expresionismo francés:
Los artistas utilizan colores vivos de forma agresiva y muy subjetiva, abandonando los tonos suaves y apagados de los impresionistas y prefiriendo los colores atrevidos y violentos de los postimpresionistas, como Paul Gauguin y Vincent Van Gogh, Matisse, Modigliani y Kandinsky.
El futurismo
Fue un movimiento de vanguardia formado en Milán en 1909, tras el Manifiesto publicado por Marinetti. En la pintura y la escultura se utilizaban formas angulosas y líneas incisivas para transmitir una sensación de dinamismo.
Una de las principales características de los futuristas era la búsqueda del movimiento mediante el uso de imágenes repetidas de un mismo objeto o de figuras dispuestas en secuencia para dar la impresión de movimiento rápido (por ejemplo, Carrà).
El cubismo
Se desarrolló entre 1907 y 1914. El pintor cubista busca representar simultáneamente en el lienzo diferentes aspectos de un mismo objeto, es decir, lo que conoce del propio objeto, más que la imagen que le llega a través del órgano visual. Se considera que el manifiesto del cubismo es «Les Demoiselles d’Avignon» de Picasso, en el que tenemos una verdadera faceta de los temas.
El dadaísmo
Nació en Suiza durante la Primera Guerra Mundial. La palabra «Dadá» no significa nada, y en esto ya hay una primera característica del movimiento: el rechazo de cualquier actitud racionalista.
Aunque niegan la racionalidad, los dadaístas no rechazan ninguna actitud profanadora, y todos los medios son adecuados para alcanzar su objetivo final: la destrucción del arte.
La destrucción era absolutamente necesaria para empezar de nuevo con un nuevo arte que ya no estuviera en el pedestal de los valores burgueses, sino que coincidiera con la vida misma y no se separara de ella (por ejemplo, Duchamp).
El arte metafísico
Es una de las grandes aportaciones al arte europeo, procedente de Italia, y en particular de Giorgio De Chirico. Nació en 1917, en Ferrara, del encuentro entre De Chirico y Carlo Carrà, este último procedente de las filas del futurismo.
En la pintura metafísica predomina la inmovilidad más absoluta, todo parece inmóvil y atemporal, las cosas y los espacios parecen petrificados para siempre, el silencio más absoluto por doquier.
El surrealismo (1924-1950)
Quería transfigurar la realidad pero no negarla, y para ello utilizó dos técnicas, la de las yuxtaposiciones insólitas y la de las deformaciones irreales.
Los aspectos fundamentales del movimiento son la revalorización del componente irracional de la creatividad humana y la liberación de las pulsiones del inconsciente: un rechazo de la lógica y las limitaciones de la civilización en favor de la libertad total de expresión. El surrealismo fue adoptado por varios pintores europeos, como Max Ernst, Juan Miró, René Magritte y Salvador Dalí.
Otros movimientos artísticos importantes de este periodo fueron:
- Constructivismo tras la Revolución Rusa,
- El movimiento alemán De Stijl,
- Nuevo Realismo americano de Hopper y
- El Abstraccionismo, muy geométrico.
Uno de los resultados más llamativos del abstraccionismo lo dio el pintor estadounidense Jackson Pollock. A partir de 1946, inventó el dripping, la técnica de colocar la pintura en el lienzo mediante goteo y salpicaduras.
Los cuadros resultantes son imágenes absolutamente confusas e indescifrables. ¿Qué expresan? La sensación de caos.
